Para mim, uma única foto isolada deve contar várias histórias para as diferentes pessoas que a olham.
Josef Koudelka
Hoje em dia, todos nós, pelo menos uma vez na vida (provavelmente dezenas ou até centenas de vezes), pressionamos o botão do obturador de uma câmera ou dos nossos celulares para capturar um momento importante de nossas vidas. Seja para imprimir, emoldurar, enviar para um familiar ou simplesmente para armazenar na memória do nosso celular. Nunca antes a fotografia foi uma prática tão cotidiana para milhões de pessoas ao redor do mundo, e você certamente faz parte desse grupo enorme de fotógrafos amadores. Mas quando você tira uma foto, tem certeza de que está fazendo da maneira mais correta?
Por trás de um gesto aparentemente simples e comum, existem na verdade séculos de história e experimentação científica para conseguir fixar uma imagem num suporte físico ou digital. Há também décadas de investigação no campo artístico para definir as regras que tornam as imagens que captamos esteticamente agradáveis e significativas.
Mas quais são os fundamentos da arte fotográfica? Quais são as regras por trás de uma boa fotografia? Neste novo Superguia da Superprof vamos explorar o mundo da fotografia para aprender todos os segredos dessa arte!
Antes de entrarmos no assunto e para despertar um pouco a sua curiosidade, aqui vão algumas histórias engraçadas sobre fotografia que talvez você não saiba 😉:
Para começar: o que é fotografia?
Quando alguém está interessado em um assunto, é importante, acima de tudo, definí-lo com a maior precisão possível. Vejamos, por exemplo, a definição do verbete fotografia (fo.to.gra.fi.a) segundo o dicionário Michaelis:
- Arte ou processo de reproduzir, pela ação da luz ou de qualquer espécie de energia radiante, sobre uma superfície sensibilizada, imagens obtidas mediante uma câmara escura.
- A imagem obtida nesse processo; foto, retrato.
- Cópia ou reprodução fiel e exata de algo. (FIG)
A origem etimológica da palavra vem do grego phosgraphein, que significa literalmente “marcar a luz”, “registrar a luz” ou “desenhar na luz”.
É claro que o termo tem uma dupla conotação, indicando tanto o objeto obtido quanto o processo para obtê-lo, bem como o conjunto de práticas artísticas e técnicas que acompanham esse processo.
Do ponto de vista técnico, a fotografia é um processo que se desenvolveu ao longo do tempo. Convencionalmente, situamos seu nascimento em 1826, ano em que o engenheiro francês Nicéphore Niépce tirou a primeira foto da história, "Point de vue du Gras", embora, é claro, séculos de pesquisa e experimentação tenham precedido esse resultado.
Se quiser saber mais sobre o percurso que a fotografia percorreu desde aquela primeira imagem até as grandes obras do século XX e hoje, pode ouvir o podcast "Pausa de Arte" de Bruna Sahão, sobre o nascimento da fotografia.
Voltando a nós: o que é uma câmera e como ela funciona? Uma câmera é basicamente uma caixa fechada, exceto por uma pequena abertura que deixa a luz entrar por um tempo. Essa abertura é controlada por um componente chamado “shutter”, que abre e fecha para regular a quantidade de luz que chega ao filme ou sensor.
A luz refletida de um objeto, pessoa ou cenário é filtrada pelas lentes objetivas da câmera, que a direcionam para o filme (que reage quimicamente com a luz e registra a imagem) ou para o sensor (que converte a imagem em sinais elétricos). Isso, em poucas palavras, é como você consegue uma fotografia!
Os principais tipos de câmeras disponíveis no mercado
No entanto, nem todas as câmeras funcionam da mesma forma. Neste artigo, não veremos a fotografia analógica, mas sim as câmeras digitais. Atualmente, existem basicamente 4 tipos:
Reflex ou DSLR (Digital Single Lens Reflex):
O nome dessas câmeras com lentes intercambiáveis vem do fato de seu sistema ser composto por um espelho inclinado a 45 graus para cima, espelho esse que permite ao usuário olhar pelo visor óptico da câmera para tirar fotos. É o tipo de câmera preferido pelos fotógrafos, embora com o passar dos anos a diferença com as câmeras sem espelho esteja diminuindo cada vez mais.
Preço: de R$ 3.500,00 a >R$ 16.000,00
Mirrorless:
Categoria de câmeras digitais com lentes intercambiáveis que, ao contrário das DSLRs, não possuem espelho entre a lente e o sensor, e por isso são chamadas de "sem espelho" ou "mirrorless".
Preço: de R$ 6.500,00 a >R$ 20.000,00 (normalmente sem acessórios)
Compactas:
São câmeras não modulares (ou de lente fixa) de tamanho reduzido, mas geralmente vêm com um conjunto de acessórios mais extenso em comparação com os dois modelos anteriores.
Preço: de R$ 1.800,00 para os modelos mais econômicos até mais R$ 4.900,00 para os modelos mais profissionais.
Existe também um quarto tipo chamado Bridge, que, como o próprio nome sugere, visa "fazer a ponte" entre as câmeras SLR e as compactas, mas não vamos discuti-las neste artigo devido à sua baixa difusão (depois de algum sucesso no início dos anos 2000, eles estão desaparecendo gradualmente e hoje existem menos de 10 modelos no mercado).
Uma distinção importante é então entre as câmeras Reflex/Mirrorless, que são modulares (o corpo da câmera pode ser separado da lente, que pode, portanto, ser substituída) e as câmeras compactas que possuem uma lente fixa, mas são mais leves e fáceis de transporte.
O tipo de câmara que mais se adapta a você depende das suas necessidades: se ambiciona fazer fotografia a nível semi-profissional ou profissional, certamente necessitará da qualidade e precisão da Reflex/Mirrorless. Se, por outro lado, procura um aparelho pequeno para levar consigo nas suas viagens, que economize espaço e seja fácil de utilizar, deve optar por um aparelho compacto.
Capturando a luz: os fundamentos técnicos da fotografia
Agora vamos chegar ao cerne da questão e mergulhar nos fundamentos técnicos da fotografia, prestando atenção especial aos conceitos-chave, como o triângulo de exposição e o balanço de branco.
O Triângulo de Exposição
De um ponto de vista puramente técnico, procurando reduzir verdadeiramente a arte da fotografia ao essencial, podemos afirmar que na hora de tirar uma fotografia é preciso ter em conta três aspetos fundamentais: o diafragma, o tempo de exposição e os valores ISO. Esses três elementos são conhecidos como "triângulo de exposição" porque determinam a quantidade de luz captada pelo sistema óptico da câmera.
A maioria das câmeras disponíveis no mercado são capazes de ajustar esses três valores automaticamente dependendo da luminosidade do ambiente, mas muitos modelos também permitem o ajuste semiautomático, onde o fotógrafo pode definir um valor e a câmera ajusta os outros dois de acordo, ou manual, dando ao fotógrafo a liberdade de definir os três valores de sua preferência. Este último modo é mais arriscado e requer alguma prática, mas oferece maior liberdade e precisão, especialmente quando se deseja obter efeitos especiais.
A abertura do diafragma
O diafragma é um anel de lâminas móveis localizadas dentro das lentes da câmera. Quanto mais esse anel se abre, mais luz passa pela lente e é captada pelo sensor, e vice-versa.
O valor de abertura do diafragma é comumente indicado pela letra f. No entanto, observe que o número que acompanha esta letra não refere-se ao diâmetro da abertura no anel, mas sim à relação entre a distância focal e a abertura. Quanto menor o valor de f, maior a abertura e mais luz entra na câmera. Isso também vai alterar a área nítida em relação ao plano de foco.
Geralmente, os valores típicos que indicam a abertura do diafragma são os seguintes:
f/1 - f/1.4 - f/2 - f/2.8 - f/4 - f/5.6 - f/8 - f/11 - f/ 16 - f/22 - f/32 etc...
Passando de um valor de abertura para o próximo ou para o anterior na escala indicada acima, a intensidade da luz que chega ao sensor dobra ou diminui pela metade.
Sem complicar ainda mais, basta saber que, por se tratar de frações, os valores são "invertidos" do que se possa pensar: na escala mencionada anteriormente, f/1 indica o valor máximo de abertura do diafragma, enquanto f /32 indica o valor máximo de fechamento.
Finalmente, é importante lembrar que a abertura do diafragma também determina a profundidade de campo, ou seja, a extensão da área onde os objetos aparecerão nítidos e focados. A profundidade de campo é inversamente proporcional à abertura do diafragma: com um valor de f/1, a câmera vai captar muita luz, mas o fundo ficará desfocado; Por outro lado, com um valor de f/32, você precisará de uma boa iluminação externa (esse valor é usado principalmente para fotos tiradas à luz do dia), mas todos os elementos da fotografia serão nítidos.
Tempos de exposição
O segundo elemento que determina a exposição de uma foto é o tempo de exposição, que é o tempo que o obturador da câmera fica aberto, deixando a luz passar.
Nas câmeras, os tempos menores que um segundo são indicados em frações ou simplesmente pelo valor do segundo elemento da fração (por exemplo, um tempo de dois milésimos de segundo será indicado por "1/2000" ou simplesmente " 2000"), enquanto os iguais ou superiores a um segundo são indicados por um número inteiro (por exemplo, um segundo será indicado por "1").
O valor ISO: a sensibilidade da foto
Este valor originalmente se referia à sensibilidade do filme à luz. Diferentes tipos de filmes tinham diferentes velocidades, indicadas por valores crescentes : ISO 100, ISO 200, ISO 400 e assim por diante. Esses valores não podiam ser alterados: uma vez carregado o filme na câmera, todas as tomadas tinham a mesma sensibilidade ISO.
Com o advento da fotografia digital, as coisas mudaram. A maioria das câmeras do mercado permite que você defina o valor do ISO de acordo com suas preferências, quando não é definido automaticamente pela própria câmera.
Como dissemos, um valor de ISO mais alto significa que a câmera poderá capturar mais luz. No entanto, como você já entendeu, a fotografia é uma arte baseada em compensações e você não ganha nada sem sacrificar algo em troca.
Aumentar a sensibilidade ISO realmente causa o que se chama de "ruído", caracterizado pela presença de pequenos pontos na foto. No entanto, esse efeito nem sempre é indesejável: por exemplo, se você tirar fotos em preto e branco, o "ruído" pode ajudá-lo a obter um efeito mais "vintage".
Luz, temperatura e balanço de branco
Como indica a etimologia da palavra "fotografia", a luz é a matéria-prima dos fotógrafos, e sem entrar em explicações científicas muito detalhadas, é fundamental aprender a conhecê-la e a explorá-la da forma mais adequada possível se você deseja obter fotos de qualidade.
Do ponto de vista fotográfico, podemos distinguir dois tipos de luz:
- Luz natural: sua fonte é sempre uma e única - o sol! No entanto, a intensidade e os tons desta luz variam em função da latitude, hora do dia, condições meteorológicas, níveis de poluição etc. Como fotógrafos, não temos controle sobre a luz natural, podemos apenas estudá-la e aprender como usá-la a nosso favor.
- Iluminação artificial: flash, luzes LED, sinais de néon, refletores etc. A luz artificial pode vir de uma grande variedade de fontes, algumas controladas pelo próprio fotógrafo, como um flash, enquanto outras estão fora de seu controle, como lâmpadas de rua.
A luz solar, como a de fontes artificiais, varia constantemente: tem uma cor que define a temperatura do disparo. A luz do pôr do sol tenderá a tons mais alaranjados, enquanto a luz do amanhecer terá tons mais frios.
O balanço de branco de uma câmera corrige a imagem para que os objetos brancos permaneçam brancos na fotografia, independentemente da temperatura da luz. Normalmente, quando fotografamos digitalmente, a câmera equilibra automaticamente os brancos e, se não ficarmos satisfeitos com o resultado, sempre é possível modificá-lo na pós-produção.
De qualquer forma, não existem soluções milagrosas: a única forma de aprender a usar a luz é estudá-la. Tente fotografar em todas as horas do dia e da noite e concentre-se em todos os aspectos da iluminação, como direção, origem, intensidade, temperatura etc.
Como tirar uma ótima foto
Como qualquer forma de arte, a fotografia certamente não pode ser reduzida a um conjunto de regras. No entanto, conhecer os princípios básicos que regem a estética da fotografia pode fornecer uma base sólida para começar: conhecer as regras permitirá que você as quebre para construir seu próprio estilo.
A regra dos terços e a composição
A regra dos terços é um princípio de composição amplamente conhecido e utilizado na fotografia, mas não só: este mesmo princípio é utilizado há séculos pelos pintores!
Essa regra é muito simples e prevê que, ao compor uma imagem, ela seja dividida em terços tanto na horizontal quanto na vertical, criando assim quatro pontos de interseção conhecidos como “highlights”. Colocar o assunto principal ou elementos-chave ao longo dessas linhas ou destaques resultará em uma imagem visualmente mais agradável e equilibrada.
Freqüentemente, os iniciantes tendem a colocar o assunto da foto exatamente no centro da imagem, o que resulta em fotos muito planas e estáticas. A regra dos terços permite tornar a imagem mais dinâmica, seja uma foto de paisagem, um retrato etc.
Se você estiver fotografando uma paisagem, por exemplo, evite colocar a linha do horizonte no centro de sua foto, mas alinhe-a a um ou dois terços da altura do quadro, privilegiando assim a terra ou o céu, dependendo do que você deseja destacar em sua foto. Se você estiver fotografando uma pessoa, tente combinar os pontos de interseção obtidos pela aplicação da regra dos terços com uma característica importante do rosto ou do corpo da pessoa, como o rosto ou os olhos em um close-up.
Aplicar a regra dos terços permitirá que você dê maior força expressiva às suas fotos. Mas lembre-se: as regras devem ser quebradas, e algumas das fotos mais bonitas da história não seguem essa regra de composição. Como já dissemos, aprender os princípios básicos que regem a composição fotográfica também lhe dá o privilégio de os transgredir conscientemente, quando sentir que uma determinada imagem, para transmitir o significado que lhe atribui, requer um enquadramento inusitado.
Conte uma história com imagens
As melhores fotografias da história são consideradas assim não tanto porque seguem as regras, mas porque contam uma história, porque têm algo a dizer sobre o que mostram. Embora a fotografia seja comumente considerada uma arte mais "objetiva" em comparação com a pintura e outras formas de arte visual, na realidade o olhar do fotógrafo nunca é neutro: o fotógrafo sempre se posiciona em relação ao que fotografa.
Muitas fotografias fascinam-nos, por exemplo porque levantam questões, porque nos fazem pensar como chegámos a este momento, o que está realmente a acontecer na fotografia ou o que aconteceu pouco depois de a fotografia ter sido tirada.
Ao tirar uma foto, tente não apenas capturar um momento, mas também pergunte a si mesmo por que esse momento específico é tão importante, o que sua foto revela sobre esse momento e o que permanecerá um mistério para aqueles que assistem sua foto sem conhecer o contexto em que foi tirada. Enriquecer suas fotos com um toque de mistério e engenhosidade narrativa as tornará muito mais intrigantes para quem as visualizar.
As regras para tirar uma boa foto
Para recapitular o que vimos até agora, aqui estão algumas dicas a serem lembradas para melhorar a qualidade de suas fotos:
- Conheça sua câmera: estudar detalhadamente as funções e configurações de sua câmera e das lentes que você usa é um requisito essencial para tirar fotos melhores. Não existe receita mágica, a única maneira de se familiarizar com as ferramentas que você usa é praticando bastante.
- Experimente com o triângulo de exposição: nem sempre fotografe apenas no modo automático, mas também explore o modo semiautomático ou manual de sua câmera. Durante um evento esportivo em que os objetos se movem rapidamente, pode ser vantajoso, por exemplo, definir manualmente os tempos de exposição para durações muito curtas e deixar a câmera ajustar a abertura e os valores ISO de acordo.
- Não negligencie a composição: quando tiver oportunidade, estude um pouco o local antes de tirar a foto e tente descobrir como compor sua imagem para dar mais força a ela. Lembre-se da regra dos terços para criar imagens mais equilibradas e dinâmicas.
- Brinque com a luz: como mencionado antes, a luz é a matéria-prima da fotografia. Experimente variações na luz natural, desde o calor da luz do sol nos dias de verão até a luz suave e plana dos dias nublados. Tente também usar fontes de luz artificial , como lâmpadas ou flashes, para criar efeitos especiais.
- Conte uma história: lembre-se que o objetivo do fotógrafo é sempre contar algo através das imagens. Tente capturar a essência da cena ou assunto que você está fotografando: expressões, gestos, emoções, ações - antes de tirar a foto, sempre pergunte a si mesmo o que o toca particularmente no que você vê.
- O fundo é importante: certifique -se de que o fundo se adequa ao tipo de fotografia que deseja fazer e que não distrai muito do assunto principal da imagem. Tente eliminar elementos indesejados do quadro ou aprenda como removê-los na pós-produção.
- Não tenha medo da pós-produção: depois de tirar uma foto, você pode usar um software de edição como Adobe Lightroom ou Photoshop para ajustar a exposição, contraste, balanço de branco e outras configurações. No entanto, tente não exagerar nos retoques, pois isso pode fazer com que a imagem pareça pouco natural (falaremos mais sobre pós-produção no final deste artigo).
- Prática, prática e mais prática: é sabido que a fotografia, como a maioria das disciplinas artísticas, requer prática constante. Tire muitas fotos, explore novas técnicas e estilos, aprenda com seus erros e com o feedback de amigos e outros fotógrafos. Quanto mais você praticar a fotografia, mais conhecerá a arte da fotografia e a si mesmo, e mais desenvolverá um estilo único e reconhecível.
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Os principais tipos de fotografia
Até agora, cobrimos regras e dicas gerais que se aplicam a qualquer gênero de fotografia. Agora vamos ver mais de perto os principais tipos de fotografia e algumas dicas a se ter em conta quando se pretende fazer retratos, paisagens etc.
O retrato fotográfico
Mestres do gênero: Julia Margaret Cameron, Steve McCurry, Annie Leibovitz, Richard Avedon, Yusuf Karsh, Arnold Newman, Pierre & Gilles, Lee Jeffries, Nirav Patel, Pamela Hanson.
Com uma pessoa real à sua frente você deve fazer tudo ao seu alcance para que ela se sinta confortável e à vontade. Comunicação e respeito pelo assunto devem ser sua principal prioridade.
Quando se trata de iluminação, é melhor decidir com antecedência se você deseja usar luz natural ou se prefere fotografar retratos com luzes especiais ou flashes de estúdio. A luz natural tende a criar uma iluminação suave e lisonjeira e transmitir uma sensação de intimidade e realismo, enquanto a luz artificial pode ser usada de forma mais criativa e resultar em fotos mais originais. Não existe escolha certa ou errada a priori, tudo depende do que você quer comunicar.
Para enfatizar o assunto fotografado, recomendamos que você defina uma grande abertura (por exemplo, f/1.4) e ajuste os tempos de exposição e os valores ISO de acordo. Dessa forma, você obterá uma profundidade de campo reduzida e apenas o objeto da foto ficará nítido, enquanto o fundo e outros elementos ficarão desfocados.
Como poderá constatar com uma breve pesquisa no Google Imagens, as obras dos referidos mestres retratistas são totalmente diferentes entre si. Tente construir uma boa coleção de referências fotográficas e comece a fazer experiências com seus amigos e familiares, pedindo para posarem para você!
Fotografar objetos e animais
Mestres do Gênero: David LaChapelle, Lindsay Adler, Sharad Haksar, Erwin Olaf, Francesc Guillamet, Frans Lanting, Carl Warner, Jackie Alpers, Thomas Sharan, Markus Reugels: David LaChapelle, Lindsay Adler, Sharad Haksar, Erwin Olaf, Francesc Guillamet , Frans Lanting, Carl Warner, Jackie Alpers, Thomas Sharan, Markus Reugels.
Fotografar objetos é um pouco mais fácil em comparação com o retrato, pois não há necessidade de deixar o sujeito da foto confortável ou obter permissão para as imagens. Por outro lado, é muito mais difícil transmitir emoções ou contar histórias por meio de objetos. Quando se trata de animais, a situação é um pouco diferente, mas dependendo dos animais que você deseja fotografar, o trabalho pode ficar bem perigoso.
Podemos dividir este tipo de fotografia em vários subgêneros, entre os quais encontramos:
- Natureza morta ou natureza morta: gênero compositivo que nasceu na pintura e se popularizou no início do século XVII antes de passar para a fotografia. Representa objetos inanimados, como frutas, flores, elementos domésticos ou outros elementos decorativos. É um gênero que permite trabalhar detalhadamente a composição, luz e texturas dos objetos fotografados.
- Fotografia da vida selvagem: o verdadeiro protagonista deste subgênero fotográfico é o reino animal. Os animais geralmente são fotografados em seu habitat natural e não no estúdio.
- Fotografia comercial: como o nome sugere, é um tipo de fotografia que visa destacar a beleza e as características de um determinado produto de forma a promover a sua venda em catálogos, outdoors ou nas redes sociais.
- Fotografia de comida: uma subcategoria de fotografia comercial em que a comida é apresentada. Este tipo de fotografia é frequentemente solicitado para promover restaurantes, compor cardápios de restaurantes ou criar livros de receitas. O objetivo do fotógrafo é pensar na composição e usar a luz de forma a tornar os pratos fotografados o mais apetitosos possível.
- Macrofotografia: um subgênero da fotografia que se concentra em objetos e assuntos muito pequenos, como flores, insetos ou pequenos detalhes . Para se dedicar a esse tipo de fotografia, é necessário adquirir equipamentos adequados, como lentes macro.
As obras pertencentes às categorias mencionadas acima diferem muito entre si em termos de intenções, de técnicas, dos objetivos e dos conteúdos, mas observá-las e compará-las permitirá ter uma ideia mais clara das semelhanças e diferenças entre esses subgêneros e entender se um deles te excita.
Fotografia de paisagem: capturando a natureza ou ambientes urbanos
Mestres do gênero: Alex Webb, Letizia Battaglia, Dando Moriyama, Henri Cartier-Bresson, Vivian Maier, Joel Meyerowitz, Diane Arbus, Elliott Erwitt, Fred Herzog, Gordon Parks.
Outro grande gênero fotográfico muito valorizado por artistas e entusiastas é a fotografia de paisagem: esse tipo de fotografia visa captar a beleza e a grandeza da natureza. As montanhas, os oceanos, as florestas, os desertos e outras paisagens naturais são fundamentais para esse tipo de fotografia.
O gênero oposto e complementar é a fotografia urbana ou arquitetônica, que, como o próprio nome sugere, se concentra em paisagens artificiais e na grandeza (ou às vezes monstruosidade) do trabalho humano.
Embora tratem de assuntos distintos, esses dois gêneros fotográficos compartilham muitas características, principalmente do ponto de vista técnico. Ambos, de fato, requerem algum planejamento e atenção cuidadosa na composição da imagem.
Os fotógrafos de paisagem ou arquitetura estudam com antecedência os locais a serem fotografados e como a luz os transforma ao longo do dia, a fim de encontrar o melhor momento para destacar todos os elementos da imagem.
Neste tipo de fotografia, tendemos a usar uma grande profundidade de campo (e, portanto, uma grande abertura do diafragma) para dar nitidez a todos os planos da imagem, mesmo que seja sempre possível jogar com os efeitos de desfoque para fazer alguns elementos se destacarem.
Mas o que acontece quando não são levados em conta apenas os elementos arquitetônicos de uma cidade, mas também seus habitantes?
Fotografia de rua e fotorreportagem
Mestres do gênero: Alex Webb, Letizia Battaglia, Dando Moriyama, Henri Cartier-Bresson, Vivian Maier, Joel Meyerowitz, Diane Arbus, Elliott Erwitt, Fred Herzog, Gordon Parks.
A fotografia de rua é um gênero fotográfico que visa captar fragmentos da vida real e transmitir uma sensação de autenticidade a quem visualiza as imagens.
Geralmente retrata locais públicos em áreas urbanas, como ruas, praças, parques, mercados, etc.
Mais do que noutros subgéneros da fotografia, o timing é essencial na fotografia de rua: o fotógrafo de rua é um observador atento, capaz de captar os detalhes e o momento decisivo para contar uma história através das imagens.
Devido à necessidade de capturar um momento preciso, pode ser uma boa ideia usar o modo manual de sua câmera ou priorizar as velocidades do obturador, definindo-as manualmente e deixando a câmera cuidar disso.
Ao praticar a fotografia de rua também é importante estar atento à legislação do país onde se encontra, pois nem sempre é permitido fotografar pessoas na rua sem o seu consentimento, existindo legislações específicas sobre o direito de imagem e de reprodução.
No Brasil, a legislação pertinente ao direito de imagem e privacidade é regida pelo Código Civil e pela Constituição Federal. Ao tirar fotos de pessoas em locais públicos é importante ter em conta os direitos à imagem, os locais considerados públicos, a expectativa de privacidade, a finalidade da foto (se tem fins comerciais) e outros fatores.
Além do aspecto legal lembre-se que também existe um aspecto "humano": o fato de você poder fotografar uma pessoa em determinado contexto não significa que seja correto fazê-lo sem o seu consentimento. Idealmente, seria sempre melhor perguntar antes de tirar uma foto!
E para enriquecer seus conhecimentos sobre fotografia de rua, recomendamos ainda dois trabalhos essenciais:
Presente e futuro da fotografia
Como todas as disciplinas artísticas, a fotografia é fortemente influenciada pelas mudanças históricas, sociais e tecnológicas que, principalmente nas últimas décadas, transformaram nossa visão de mundo.
A distribuição em massa de softwares de edição de fotos e, mais recentemente, de inteligência artificial capaz de criar ou modificar imagens, está perturbando profundamente os fundamentos desta disciplina artística.
Edição e pós-produção de fotos
Embora alguns puristas gostem de associar a expansão da edição fotográfica ao declínio da arte da fotografia, a verdade é que a pós-produção é tão antiga quanto a própria fotografia: basta pensar que em 1860 o fotógrafo Mathew B. Brady retoca seu retrato do presidente dos EUA, Abraham Lincoln, usando processos químicos para aumentar o contraste e o brilho, a fim de tornar a figura do presidente mais imponente e equilibrada.
A revolução digital elevou a pós-produção fotográfica a um novo patamar: softwares como Adobe Photoshop, Lightroom e outros aplicativos semelhantes, inicialmente usados apenas por profissionais da indústria, agora estão disponíveis para todos. Imagine que em 2012, para obter o Photoshop CS6, tinha de pagar cerca de R$ 3.000, enquanto hoje pode aceder ao Photoshop CC e ao Lightroom com uma subscrição mensal de R$ 50,00 aproximadamente!
Esses programas fornecem acesso a ferramentas completas que permitem, entre outras coisas, recortar imagens, aprimorá-las, desfocar certas partes, corrigir a textura da pele e até modificar a silhueta do corpo.
Com o software de edição de fotos, mesmo uma fotografia medíocre pode ser editada em uma imagem equilibrada e interessante.
Se você se interessa por fotografia, aprender a usar um software de edição de fotos pode ajudá-lo a agregar valor às suas imagens. Porém, atenção: exagerar na pós-produção pode fazer com que as imagens pareçam artificiais e destacar suas deficiências na fotografia.
Fotografia e inteligência artificial
Nos últimos anos, e principalmente nos últimos meses, muito se tem falado sobre inteligência artificial.
Para entender o impacto que isso tem no mundo da fotografia, podemos citar, por exemplo, o MidJorney, um algoritmo "text to image", capaz de gerar imagens a partir de instruções textuais.
Você só precisa dizer ao programa "crie uma imagem realista dessa pessoa vestida de palhaço" para obter uma imagem, e as instruções podem até ser muito mais específicas.
Embora seja verdade que essas imagens não são propriamente fotografias, também é verdade que o MidJourney extrai de um vasto banco de dados de imagens que também inclui bilhões de fotografias, e agora estamos muito perto de quando as imagens geradas pelo programa não serão mais distinguíveis das imagens reais.
A última grande novidade nesta área é a função "Generative Fill" apresentada pelo Photoshop apenas algumas semanas atrás.
É uma ferramenta que permite ao usuário adicionar partes de imagens a uma foto, inserindo planos de fundo, objetos, pessoas e muito mais, dando assim origem a uma imagem ainda maior e totalmente nova. Os resultados são realmente impressionantes: experimente você mesmo para acreditar!
Se a ideia de que a arte fotográfica e, portanto, a figura do fotógrafo pode ser totalmente substituída pela inteligência artificial é um pouco extrema e distante da realidade, da mesma forma que os escritores não serão substituídos por geradores de texto como o ChatGPT, também é inegável que o mundo da fotografia está passando por uma grande revolução e que para continuar trabalhando como fotógrafo será necessário pelo menos se interessar pelas mudanças que estão ocorrendo.
Embora certamente não seja a inteligência artificial que roubará seu trabalho como fotógrafo, serão os fotógrafos que poderão explorar esse recurso. Nosso conselho é, portanto, manter-se constantemente atualizado e experimentar constantemente as últimas inovações tecnológicas, independentemente do campo artístico.
Chegamos ao fim do nosso guia para aspirantes a fotógrafos. Esperamos que você tenha gostado de ler isso e tenha lhe dado muitas ideias e o desejo de pegar uma câmera (se ainda não tiver) e começar a tirar fotos com conhecimento de causa. Para todo o resto, escreva-nos nos comentários 👇!
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Achei sensacional. Parabéns!!
Excelente artigo! Me tirou muitas dúvidas e foi super detalhado!